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| Cartel promocional de "Prometheus" |
Recientemente había subido un post a propósito de “Blade
runner” (que podéis leer
aquí), obra maestra indiscutible dentro de la
filmografía de Ridley Scott. Scott es un director que si bien ha mostrado un
cierto eclecticismo en la elección de temas para sus películas ha obtenido sus
mejores resultados dentro del cine fantástico. Sin embargo no es éste
precisamente el género que más abunda en su cinematografía.
Ridley Scott debutó en el largometraje con “Los duelistas”
(1977), una esteticista adaptación de un relato de Joseph Conrad, que tuvo una
buena recepción en el festival de Cannes. Sin embargo la fama le llegaría en
1979 con “Alien, el 8º pasajero”, y ésta se consolidaría definitivamente con
“Blade runner” en 1982. Poco después Scott se adentraría en el terreno de la
fantasía mitológica con “Legend”, estrenada el año 1985, y que obtuvo una muy
tibia acogida, tanto comercial como crítica, en el momento de su estreno, si
bien hoy en día se la reivindica como uno de los títulos visualmente más
hermosos dentro de la trayectoria del director británico.. Para el que escribe
estas líneas estas tres últimas continúan siendo lo mejor de toda su
filmografía.
El fracaso comercial de “Legend” pareció abocar a Scott a
proyectos menos ambiciosos, que saldaron en la mayoría de los casos con
resultados bastante irregulares, cuando no discutibles. Así pues Scott nos
ofrecería después productos tan banales como “La sombra del testigo” (1987) o
“Black rain” (1989), en los que pese a todos continuaba haciendo muestra de su
incuestionable elegancia para mover la cámara. A estos seguirían la
sobrevaloradísima “Thelma y Louise” (1991, burdo y superficial alegato
feminista), la tan ambiciosa como aburrida “1984: la conquista del paraíso”
(1992), o las decididamente mediocres y olvidables “Tormenta blanca” (1996) o
“La teniente O’Neil” (1997). La fama y el prestigio las recuperaría con la
exitosa “Gladiator” (2000), film grandilocuente, pomposo e irregular, con
grandes momentos visuales y otros que más bien provocan cierto sonrojo. Yo
personalmente considero más logrado “El reino de los cielos” (2005),
especialmente en su versión extendida, film injustamente infravalorado que atesora
momentos francamente logrados a nivel dramático. Entre ambas Scott se atrevería
a filmar una secuela de la exitosa “El silencio de los corderos”, con el título
de “Hannibal” (2001), y cuya mayor virtud es haber sabido desvincularse del
film de Jonathan Demme para ofrecer al espectador un producto cuanto menos
personal, aunque inferior al film precedente. Con resultados más discutibles se
saldarían “Black hawk derribado” (2002) o “Los impostores” (2003). Scott se
atrevería con la comedia romántica con la insulsa “Un buen año” (2006), pero
sorprendería gratamente con la no suficientemente valorada “American gangster”
(2007). A ésta seguirían “Red de mentiras” (2008) y su particular revisión del
mito de “Robin Hood” (2010), film aburrido con pretensiones pseudo-históricas
que tenía su mejor baza en la interpretación de la siempre fascinante Cate
Blanchet. Sin embargo en el año 2012 se produciría el largamente esperado
regreso de Scott al género de la ciencia-ficción con “Prometheus”, precuela de
la saga Alien con la que pese a todo buscaba marcar distancias. Este film se
saldó con una desigual acogida por parte de la crítica: hubo quienes alabaron
su espectacular y fascinante puesta en escena, y quienes abominaron de sus
pretensiones metafísicas y pseudo-filosóficas. Sin embargo, director inquieto y
ecléctico como pocos, no permanecería mucho en el género: en el 2013 estrenaría
“El consejero” a partir de un elaborado guion de Cormac McCarthy, interesante
film que no fue muy bien acogido por el público, y después la horrenda “Exodus”
(2014), torpe revisión del clásico de “Los 10 mandamientos” a la que Scott
despojó de toda la magia y misticismo al relato bíblico en aras de una
pretendida (y equivocada) verosimilitud histórica. Actualmente Scott tiene
pendiente de estreno “The martian”, que en España recibirá el estúpido título
de “Marte: operación rescate”, basada en una exitosa novela de Andy Weir, y que
supone una nueva incursión de Scott en la ciencia ficción.
Recientemente me ha dado por revisar “Prometheus” y debo
decir que es un film que tiene más virtudes de las que yo supe (o quise)
apreciar en un primer visionado. Pero antes de hablar de este film me gustaría
comentar ciertos aspectos sobre la película que dio inicio a esta franquicia:
“Alien: el 8º pasajero”.
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| Cartel de "Alien. El 8º pasajero" |
Inicialmente se tenían ciertas dudas sobre la viabilidad
comercial de la cinta, y si ésta sería apreciada por el público como algo más
que ‘otra cinta de suspense de bajo presupuesto’ (el título original previsto era
“Star Beast”). A pesar de ello Scott persuadió al equipo de producción para que
aumentara el presupuesto, asegurando que la trama tendría un tono más adulto y
sombrío. El guionista Dan O'Bannon eligió el título definitivo, al optar por
uno más simple y pegadizo que el anterior: “Alien”. La magistral e innovadora banda
sonora corrió a cargo del californiano Jerry Goldsmith, recién salido de otra
producción de género: “Star Trek. The motion picture”.
Tras su estreno, obtuvo en general críticas positivas, sobre
todo respecto a sus efectos visuales y la música, así como un considerable
éxito de taquilla. Recibió un Óscar en la categoría de ‘Mejores efectos
visuales’ y tres premios Saturn , uno a la ‘Mejor película de ciencia ficción’,
otro a la ‘Mejor dirección’ para Ridley Scott y un tercero a la ‘Mejor actriz
de reparto’ para Cartwright.
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| Sigourney Weaver da vida a la Teniente Ripley |
El éxito de “Alien” dio pie a toda una franquicia de
novelas, cómics, videojuegos y juguetes, así como tres secuelas y una especie
de precuela ambientada en el mismo universo temático: “Prometheus”. No son pocos los que han
encontrado ciertos aspectos filosóficos y psicológicos dentro de la atmósfera
que presenta la cinta que son dignos de estudio; uno de los cuales radica en el trato
humano respecto a otros seres ajenos a su entorno natural, como los androides o
los alienígenas; otro de los aspectos más controvertidos haría referencia a su
inequívoco contenido sexual, que según algunos responsables del film, la
alusión provocativa en diversas escenas fue ‘hecha a propósito [...] porque
queríamos irritar al público’ (sic).
Dan O’Banon y Ronald Shusett redactaron la trama original de
tal manera que todos los papeles fueran interpretados por hombres, pero a la
vez quisieron dejar constancia de que ‘la tripulación fuese unisex y todos sus
roles resultaran intercambiables entre hombres y mujeres’ (sic). Esto dio vía
libre al director de interpretar a los personajes como quisiera, y así
conformaran el reparto acorde a ello. Su intención era que la tripulación de la
Nostromo, la nave donde transcurre buena parte de la acción, estuviese
compuesta de astronautas que colaboraran en un ambiente realista, un concepto
conocido como ‘camioneros espaciales’.
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| La tripulación del Nostromo |
Mientras estudiaba cine en la Universidad del Sur de
California, Dan O'Bannon participó en un largometraje que mezclaba ciencia
ficción y comedia, junto al director John Carpenter y el artista conceptual Ron Cobb
, titulado “Dark Star”. Esta
experiencia hizo que O'Bannon quisiera
hacer un extraterrestre que sí luciera
‘realista’, y así un par de años más tarde comenzó a trabajar en una historia
similar pero con un mayor enfoque en el terror y suspense: ‘Sabía que quería
hacer una película de miedo acerca de una nave espacial con un pequeño número
de astronautas’ (sic). Ronald Shusett, mientras tanto, estaba trabajando en una
versión que en lo sucesivo se convertiría en un primer guion para “Desafío
Total”. Impresionado por “Dark Star” Shusett contactó con O'Bannon y ambos
comenzaron a trabajar en sus respectivos proyectos, dando prioridad al
argumento de este último, pues creían que podría ser el menos costoso para
producir. O'Bannon escribió veintinueve páginas de un guion llamado “Memory”,
en donde resumía lo que serían las primeras escenas del filme: un grupo de
astronautas despiertan al saber que su viaje ha sido interrumpido debido a una
señal proveniente de un misterioso planeta. Investigan lo sucedido y deciden
aterrizar en su superficie. Sin embargo, el guionista aún no tenía una idea
clara del rol que asumiría el alienígena dentro de la historia.
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| Diseños de Moebius de inspiración japonesa |
En 1975 Alejandro Jodorowsky viaja a California y contacta
con Dan O'Bannon al que recluta como responsable de efectos especiales de su nuevo
proyecto: una adaptación cinematográfica del "Dune" de Frank Herbert.
O’Bannon acepta de inmediato y se muda a París donde vive seis meses entregado
en cuerpo y alma a su nueva tarea. Finalmente, pese al impecable trabajo de
preproducción que incluía el storyboard de Moebius y la participación en el
proyecto de artistas como Salvador Dalí, Orson Welles o Mick Jagger, la
película no encuentra financiación en Hollywood y proyecto cae en el abandono,
siendo más tarde retomado por el productor Dino de Laurentis y con la dirección
de David Lynch. Pese al abandono del proyecto O'Bannon tuvo la oportunidad de conocer
a un gran número de artistas que le dieron ideas nuevas para su historia de
ciencia ficción, tales como los ilustradores Chris Foss, H. R. Giger, y
Moebius. O’Banno se mostró impresionado por los diseños de Foss y consideraba
el trabajo de Giger como ‘perturbador’: ‘Sus pinturas tuvieron un profundo
impacto en mí. Nunca había visto nada tan horrible y al mismo tiempo tan
hermoso como sus trabajos. Y acabé escribiendo un guion acerca del monstruo de
Giger’ (sic). Después regresaría a
Los Ángeles y retomaría el guion que había empezado a escribir con Ronald Shusett,
el cual le sugirió que usara alguna de las ideas que sus otros filmes ofrecían,
como la infiltración de una especie de ‘gremlins’ a un bombardero B-17 durante la Segunda Guerra
Mundial, y que lo mezclara con la idea de la nave espacial en la segunda mitad
del argumento.
El título provisional del proyecto era “Star Beast”, pero a
O'Bannon no le convencía, así que lo cambió por “Alien” tras percatarse que esa
palabra tendía a repetirse muchas veces en el guion. A ambos les gustó la
sencillez del título y la connotación que implicaba, al poder usarse como
sustantivo y como adjetivo. A Shusett se le ocurrió la idea de que uno de los
tripulantes tuviera implantado un embrión alienígena en su estómago, el cual
cuando estuviera maduro saldría violentamente al exterior, al sentir que sería
un interesante hilo argumental, por medio del cual se explicaría cómo la
criatura extraterrestre se infiltra en la nave.
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| ¿Nave espacial o dispositivo intrauterino? |
Mientras escribía el libreto, O'Bannon se inspiró en
anteriores trabajos de ciencia ficción y terror. En alguna ocasión mencionó: ‘Yo
no le robé Alien a nadie. ¡Yo se lo robé a todos!’. Así pues de “The Thing from
Another World” (1951) toma la idea de un hombre perseguido por un monstruo
alienígena asesino a través de un entorno claustrofóbico. “Forbiden Planet”
(1956) le hizo pensar en una nave a la que se le advierte de no aterrizar sobre
un planeta, y debido a la negligencia de los tripulantes, estos son asesinados
uno por uno por un extraño ser, tras hacer caso omiso del mensaje recibido. De “Terror
en el espacio” (1965) toma prestada una escena en la que los héroes encuentran
un singular esqueleto perteneciente a un alienígena gigante, lo cual ayudó a
vislumbrar la secuencia donde los pasajeros del Nostromo encuentran un cadáver
extraterrestre dentro de una nave estrellada. O'Bannon también mencionó la influencia
de “Junkyard”, una historia corta escrita por Clifford D. Simak, en donde el
personal de la nave aterriza en un asteroide y en él se encuentran con una
cámara llena de huevos. E igualmente cita a “Strange Relations”, escrito por
Philip José Farmer, como fuente de inspiración, ya que en dicha obra se alude
el ciclo reproductivo de los alien, aparte de varias historietas de la editorial
especializada en el género de terror EC Comics.
Con más de un 85% del argumento terminado, Shusett y
O'Bannon presentaron su trabajo inicial a diversos estudios de grabación, promocionándolo
como una especie de ‘Tiburón en el espacio’. Estaban a punto de firmar un
acuerdo con el estudio de Roger Corman, cuando un amigo de ellos les ofreció
buscar un contrato mejor. Enviaron el guion a Walter Hill, David Giler y Gordon
Carroll, quienes habían formado una compañía de producción llamada Brandywine,
la cual tenía contactos con Fox. O'Bannon y Shusett firmaron entonces un acuerdo
con Brandywine, pero Hill y Giler no estaban de acuerdo con el tratamiento
original del guión e introdujeron numerosos cambios y revisiones. Esto causó
una cierta tensión con O'Bannon y Shusett, pues Hill y Giler tenían muy poca
experiencia con la ciencia ficción, y de acuerdo con Shusett: ‘No fueron buenos
al tratar de mejorarlo, o al menos de hacerlo aún más peor’ (sic). O'Bannon
creyó que estaban intentando arreglarlo de tal modo que quitaran su nombre del
guion con el fin de declararlo como propiedad de ellos. Hill y Giler, sin
embargo, añadieron ciertos elementos importantes a la historia, como la
inclusión del androide Ash, a pesar de que O'Bannon sentía que era una subtrama
innecesaria, mientras que para Shusett ‘una
de las mejores cosas de la película’ (sic). Hill y Giler escribieron ocho
diferentes esbozos del guion, la mayoría enfocados en la trama de Ash, y
añadieron un diálogo más natural, además de enfatizar ciertos segmentos de las
escenas relacionadas con el planeta alienígena.
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| El 'facehugger' |
A pesar de la cantidad de revisiones hechas, Fox no estaba
del todo convencida de financiar una película de ciencia ficción. Sin embargo,
después del éxito de “Star Wars” en 1977, el interés del estudio por dicho
género aumentó considerablemente. “Alien” arrancó su producción con un
presupuesto inicial de 4,2 millones de dólares.
O'Bannon le mostró a Scott algunos trabajos artísticos del
suizo H. R. Giger, y ambos coincidieron que era el tipo de representación
visual que deseaban incluir en la película, así que convencieron al estudio para
contratarlo como diseñador, pese a que la Fox consideró en un inició que su
trabajo era demasiado tétrico para la audiencia en general. Scott voló hasta
Zurich para conocer a Giger y pedirle que trabajara en todos los aspectos del
Alien y los escenarios, incluidos la superficie del planetoide, la nave
abandonada y las cuatro formas del ciclo vital del Alien, desde su forma embrionaria
hasta su etapa adulta.
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| Inquietantes diseños de H. R. Giger |
O'Bannon trajo a los artistas Ron Cobb y Chris Foss (con
quienes había colaborado en “Dark Star” y “Dune” respectivamente) para que
trabajaran en los diseños de los dispositivos humanos, como la nave y los
trajes espaciales. Cobb creó cientos de visualizaciones sobre el exterior e
interior de la nave, con lo que podía adaptar muchos conceptos y usar nombres
distintos como Leviathan o Snark mientras el guion continuaba en desarrollo. El
nombre definitivo de la nave derivó de una novela escrita por Joseph Conrad en
1904 y titulada “Nostromo”, mientras que la lanzadera de escape, llamada
Narcissus en el guion, se nombró por otra obra de Conrad escrita en 1897 y
titulada “El Negro del Narciso”. El equipo de producción elogió especialmente
la técnica de Cobb para describir y presentar el escenario junto con los
interiores de la nave de una manera realista y creíble. Cobb también creó
algunos dibujos conceptuales sobre el Alien que nunca llegaron a ser usados,
mientras que a Moebius lo contrataron para el proyecto sólo por unos días, lo
que permitió que sus esbozos sobre los trajes espaciales, que evocaban a las armaduras medievales japonesas, sirvieran como base
para el diseño final de los mismos por parte del diseñador John Mollo.
Giger diseñó y trabajó en todos los aspectos alienígenas de
la película, como la apariencia orgánica y biomecánica de la nave abandonada;
esto último lo hizo así para que contrastara con el aspecto industrial de la
Nostromo y sus tripulantes humanos. Para el interior de la nave alienígena y la
cámara de los huevos se emplearon huesos secos y yeso para esculpir la mayor
parte del escenario. Verónica Cartwright describió los sets de Giger como ‘tan
eróticos... Son grandes vaginas y penes... en su integridad es como si te
adentraras en un enorme útero o algo parecido... Tiene algo de visceral’ (sic).
El set con el piloto alienígena muerto, que el equipo de rodaje apodó como ‘Ingeniero’,
resultó ser problemático, ya que Fox no quería gastar dinero en sets caros que
solo serían usados durante una escena. Scott describió el set como la cubierta
o la cabina de un barco misterioso. El equipo de producción logró convencer al
estudio de que la escena era importante para impresionar a la audiencia y
hacerles comprender que esto no era una película de bajo presupuesto. Para
ahorrar dinero, crearon una sola pared del set, mientras que el Ingeniero
estaba sentado encima de un disco que giraba, con tal de facilitar las tomas
desde distintos ángulos acorde a la posición de los actores. Giger aerografió al
set entero y al Ingeniero a mano.
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| Dibujo de Giger para el 'Space jockey' |
El origen del Ingeniero no es explicado en la película,
aunque el director mencionó luego que pudo haber sido el piloto de la nave, y
que esta podría haber sido un carguero capaz de arrojar los huevos sobre un
planeta en el que los alienígenas emplearían las formas de vida existentes como
recipientes para los aliens contenidos en dichos huevos. En las primeras
versiones del guion los huevos estarían localizados en una pirámide, que sería
hallada más tarde por la tripulación del Nostromo; en su interior, existiría
una atmósfera respirable, estatuas y jeroglíficos que mostrarían el ciclo
reproductivo de dichas criaturas, y mostraría las diferencias entre este y el
de los humanos y los Ingenieros. Cobb, Foss y Giger elaboraron por separado diseños
conceptuales para estas secuencias, aunque al final sus trabajos no se
incluyeron en la cinta debido a cuestiones relacionadas con el presupuesto, así
como con la duración del metraje. En su lugar, situaron la cámara de los huevos
en la bodega de la nave estrellada, y la filmaron en el mismo set donde habían
grabado la escena del Ingeniero; quitaron el disco donde estaba situado el
Ingeniero, así como su silla, y remodelaron el set para crear el escenario de
la cámara de los huevos.
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| El encuentro con el 'space jockey' |
En un principio, la historia terminaría con la destrucción
de la Nostromo, mientras Ripley escapa en la lanzadera Narcissus. Sin embargo,
Scott ideó un ‘cuarto acto’ en el que el Alien aparecía en la lanzadera y
Ripley debía confrontarlo. Le informó de su idea a Fox y negoció incrementar el
presupuesto para filmar la escena, durante varios días más. Quería que al final
la criatura le arrancara la cabeza a la protagonista de un mordisco, y luego
entrara en la bitácora de la nave con su voz. Sin embargo, los productores rechazaron
este último concepto, ya que creían que era más adecuado que el Alien muriera
al final del filme.
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| El 'chestburster' |
Para rodar la escena del 'chestburster' los miembros del
reparto sabían de antemano que la criatura iba a ser expulsada violentamente
del estómago de John Hurt, y habían visto una marioneta de la misma. Sin
embargo no estaban enterados de que la producción había colocado bombas de alta
presión y pequeños explosivos para hacer que chorreara sangre falsa de forma
abrupta. Se grabó una única toma de este segmento y usaron un torso artificial
lleno de sangre y vísceras para representar el del personaje interpretado por
Hurt, mientras la cabeza y brazos del actor emergían de abajo de la mesa en la
que está el cuerpo falso. El ‘chestburster’ a su vez era controlado a través
del torso por un integrante de la producción que lo sostenía con un palo.
Cuando el ser alienígena sale del cuerpo, le cayó un chorro de sangre a Veronica
Cartwright, y esto la horrorizó hasta tal punto que se puso histérica y se
desmayó. Tom Skerritt comentó al respecto: ‘lo que ves en la película fue la
reacción natural [de ella]. Ella no sabía qué demonios era lo que estaba
pasando. Toda esta cosa improvisada vino por sí sola’.
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| Fálico diseño de Giger para el álien |
Giger realizó varias ilustraciones conceptuales de la etapa
adulta del alien o xenomorfo, antes de poder definir la versión final. Moldeó su cuerpo
con plastilina y le añadió elementos como la vértebra de una serpiente y
algunos tubos del sistema de enfriamiento que usaban los Rolls-Royce. Carlo
Rambaldi, que había trabajado en el film “Encuentros en la 3ª fase” (1977) y
que más tarde sería el creador de extraterrestre “E.T.”, creó la cabeza de
manera independiente al resto del cuerpo. Siguió con detalle los conceptos de
Giger, aunque hizo algunas modificaciones con el fin de incluir piezas movibles
que permitirían animar la mandíbula y la boca interna de la criatura. Para
operar la lengua rígida entada del Alien usaron un sistema de bisagras y
cables. La cabeza definitiva tenía alrededor de novecientas partes articuladas
junto con varios puntos de flexión. También utilizaron una parte de un cráneo
humano como la ‘cara’ del monstruo, la cual ocultaron debajo del revestimiento
brillante y traslúcido de la cabeza. Usaron enormes cantidades de crema lubricante K-Y (utilizada frecuentemente en el acto sexual)
para darle un aspecto baboso y pegajoso al xenomorfo. El doblador Percy Edwards
(conocido por proveer sonidos de aves en varios documentales británicos de las
décadas de 1960 y 1970 y los sonidos de la ballena en “Orca, la ballena asesina”
(1977), grabó los sonidos del alien.
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| La creación final por Carlo Rambaldi |
Scott inteligentemente consideró oportuno no mostrar nunca el
cuerpo completo del xenomorfo durante la cinta, de manera que sólo se observan
ciertas partes mientras que el resto está cubierto entre sombras, para así mantener
a la audiencia en un estado de alerta y expectación. La intención del director
era que el público proyectara sus miedos para imaginarse al resto de la
criatura: ‘Cada movimiento debía ser lento, pero muy sutil a la vez y después
el Alien se movía bruscamente de tal manera que nunca supieras cómo luce en
realidad’ (sic). La crítica especializada alabó la caracterización del alien
por su aspecto biomecánico y los matices sexuales inherentes. El crítico de
cine Ebert, subrayó: ‘La cinta utiliza un mecanismo engañoso que logra mantener
fresca la originalidad del Alien a lo largo de la película: esta muestra la
evolución que sufre la criatura, de tal forma que te impide saber cómo es o qué
puede llegar a hacer [...] La primera vez que logramos ver bien al alienígena
es cuando perfora el pecho del desdichado Kane. Tiene una forma fálica
inconfundible, tanto así que el crítico Tim Dirks la compara con una
"goteante boca vaginal"’ (sic).
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| Las 'vajinales' escotillas de la nave alienígena |
El crítico Andrew O'Hehir, notó que ‘contiene un profundo
sentido existencialista que hace que se sienta como si fuese un film noire’ y
comentó que era mejor en comparación a sus continuaciones ‘cada vez más
barrocas’ ya que ‘es una película sobre la soledad humana en medio de la amoralidad
y sentimiento de vacío que implica la creación de la vida. Es una perspectiva izquierdista
de los años 70 en la que ninguno de los problemas que aquejan a la Tierra
durante el siglo XX -la división de
clases, la explotación capitalista, la esclavitud tecnológica de la humanidad-
se han solventado en lo más mínimo gracias a las incursiones de la humanidad en
el espacio exterior’ (sic). Después terminó comentando que ‘casi todos las
películas de terror desde Alien se han torcido en cierta manera, aunque la mayoría
de sus imitaciones se han enfocado más que nada en sus detalles -en un monstruo
mecánico asesino que tiene una apariencia tanto vaginal como fálica; los
goteantes y recónditos pasadizos de la Nostromo; los impactantes diseños
biomecánicos de Giger- y se han olvidado de ese zeitgeist homogéneo que
presenta la película’.
Un aspecto que muchos analistas cinematográficos resaltaron
es el contenido sexual implícito es un concepto que está fuertemente presente
en la trama. Adrian Mackinder comparó al ataque del ‘facehugger’ contra Kane
con una violación masculina, y a la escena del ‘chestburster’ con un parto
violento, mientras que la forma fálica de la cabeza del Alien y la manera en
que asesina a los miembros de la tripulación son entendidos como una alusión
alegórica de la violación. O'Bannon mencionó que la escena del ‘facehugger’ es
una metáfora sobre el miedo viril a la penetración, y que ese ‘abuso oral’
recibido por Kane actúa como una ‘compensación’ para todas esas películas de
terror en la que las mujeres sexualmente vulnerables son atacadas por monstruos
masculinos. McIntee subrayó que ‘”Alien” es una película sobre violación, como
lo es “Perros de paja” (1971), “Escupiré sobre tu tumba” (1978), o “Acusados”
(1988). En un nivel explícito trata sobre una amenaza alienígena. En otro más
subliminal, sobre el parasitismo y las enfermedades. Pero el nivel que pasó a
ser más importante para los guionistas y el director fue el concerniente al sexo
y la reproducción a través de medios poco ortodoxos. Y trata de cómo es que le
pasa todo esto a un hombre’. Adicionalmente señaló que la película fantasea
sobre los miedos masculinos y sobre la falta de comprensión sobre el embarazo y
el parto, a la vez que le muestra a las mujeres esta perspectiva. La analista
de cine Lina Badley detalló que el diseño del Alien, que contiene fuertes
atributos freudianos, diversas alegorías fálicas y numerosas imágenes
femeninas, fomenta la noción arquetípica y demás parafernalia implícita, y
acaba por redefinir el concepto del género. O'Bannon describió que el contenido
sexual en Alien es evidente y deliberado, puesto que ‘una de las cosas por las
que la gente se preocupa es el sexo [...] Me dije: Así es como voy a arremeter
contra el público; los voy a agredir sexualmente. No voy a ir detrás de las
mujeres, voy a atacar a los hombres. Voy a poner cada alusión que se me ocurra
para que todos los hombres se crucen de piernas. Violación oral/homosexual,
parto. Esto les pondrá los testículos en la garganta, a todos ellos’ (sic),
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| Diseño de Giger para la nave alienígena |
Curiosamente el ordenador de la nave Nostromo recibe el
nombre de ‘madre’ y aunque no posee una conciencia propia ni libre albedrío,
actúa en el film como un elemento protector. Ripley se refugia en la cápsula
donde está ubicado el acceso al ordenador, de reminiscencias uterinas, cuando
busca información o quiere sentirse protegida. En oposición a madre el otro
personaje artificial, el androide Ash, adopta una actitud paternalista con el
resto de tripulantes, a los que ve como seres imperfectos, patéticos y
completamente imprescindibles. Su prioridad es proteger lo que él entiende como
una forma de vida más pura, el alien, alguien a quien, que según sus propias
palabras, admira. De una manera más o menos intencionada el film encierra una atrevido discurso sobre la maternidad disfuncional, que en la película es ejercida por su ser artificial, un ordenador, mientras que el rol paterno lo asumiría aquí la corporación empresarial que ha financiado la expedición, y que estaría encarnado en la figura del androide Ash, que actua de brazo ejecutor de dicha corporación/padre. Para quienes lo recuerden, si bien James Cameron optó por obviar cualquier lectura adicional en la secuela de "Alien", introdujo un nuevo personaje, el de la huerfana Newt, única superviviente humana de la colonia; el personaje de Ripley, en ausencia del ordenador 'madre', asume pues su condición materna y se hace cargo de la niña, adoptándola y poniéndola bajo su protección; al final del film Ripley deberá enfrentarse al reina Alien, matriarca absoluta de su raza al modo de un gigantesca y fecunda abeja reina, cuyo abdomen inchado y repleto de huevos fecundados remite al de las reinas de la colonias de termitas.
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| La reina Alien de la sequela |
El enorme éxito del film, convertido hoy día en película de
culto dentro del género, propició, como decía más arriba, la aparición de varias secuelas. La primera
“Aliens. El regreso”, dirigida por James Cameron en 1986, apostaba más por la
acción y la estética militarista tan cara al director, obviando de esa manera
toda alusión ginecológica/psicológica al origen de los aliens, aunque si se
molestó en explicar el origen de los huevos encontrados en el interior de la
nave alienígena y nos presentó una espectacular reina alien. En 1992 David
Fincher nos presentó “Alien 3”, una visión nihilista de la historia que se
desarrollaba en el interior de una prisión espacial y que merece una justa
revisión. La muerte de Ripley al final de la película no impidió que fuese
rescatada, clonación mediante, para protagonizar “Alien: resurrección”,
estrambótica y a ratos ridícula continuación dirigida con su habitual
barroquismo por Jean-Pierre Jeunet en 1997. Si obviamos los 2 films que tratan
de unir esta franquicia a la de Predator, y que no son más que descaradas
operaciones de mercadotecnia cinematográfica, la siguiente incursión en el
universo de Alien vendría precisamente de la mano del director que dio inicio a
la saga, Ridley Scott, que más de 30 años más tardes regresaría al género de
ciencia-ficción y a la historia que le impulsó a la fama. Y lo haría con un
film, “Prometheus” (2012), que en parte es una precuela del film original y en
parte un reboot de toda la saga. Este film nace con la intención no ya de
seguir explotando el ya agotado concepto de los aliens enfrentándose a los humanos,
sino con la idea de explorar la naturaleza y el origen de la raza que pilotaba
la nave que albergaba los huevos alienígenas, y de la que era representante el
‘space jockey’ o ‘ingeniero’ cuyo cadáver fosilizado veíamos en una de las
secuencias más impactantes del film. “Prometheus”, nombre que recibe la nave en
la que viajan los protagonistas del film y que alude al carácter mesiánico del
titán mítico, analiza el papel antropogenético de dichos seres en los orígenes
de la humanidad en la Tierra, ideas inspiradas parcialmente en los escritos de
Erich Von Däniken sobre el papel de antiguos astronautas extraterrestres en la
evolución de la raza y la civilización humanas.
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| Rediseño del xenomorfo para "Alien 3" |
Así pues este nuevo film de Ridley Scott, aunque está
inmerso en el mismo universo que “Alien” y alude claramente a muchos aspectos
presentes en aquel, no está concebido tanto como una precuela al uso y no tiene
miedo de incurrir en ciertas inconsistencias. Muchos de los decorados presentes
son extraídos del film de 1979, y en éste se intenta explicar por qué la nave
alienígena se encontraba en el planetoide y cuál será su propósito. Sin embargo
también vemos que el ‘space jockey’ fosilizado del primer film, en lo que
podría ser una especie de cabina de mando, sufre un final en “Prometheus” muy
diferente. También el film ha querido marcar distancias en su aspecto visual, y
así la imagen que nos ofrece del ‘facehugger’ o del xenoformo son muy
diferentes de las que ya conocíamos. Damon Lindelof, guionista del film y uno
de los artífices de la serie “Perdidos” (“Lost”) declaró que la película tiene
lugar en el mismo universo que Alien, pero no es una historia sobre los
acontecimientos que condujeron a esa película, diciendo que ‘una verdadera
precuela debe proceder esencialmente de los acontecimientos de la película
original, pero ser sobre algo completamente diferente, contar con diferentes
personajes, tener un tema totalmente diferente, a pesar de tener lugar en ese
mismo mundo’ (sic). Así pues este nuevo film no nos va a presentar un tratado
psicosexual sobre los miedos del ser humano y su relación con el ciclo vital,
sino que adquirirá una dimensión más teológica al tratar de explorar la
relación del hombre con su creador, algo que Scott ya había analizado en su
film “Blade runner”. Esencialmente “Prometheus” se plantea una de las preguntas
clásicas de la ciencia y la literatura de género: ¿cuál es el verdadero origen
de la humanidad? De ahí que preste más interés a los ‘ingenieros’ que no a los
xenomorfos. Sin embargo Lindelof y Scott son conscientes de que por mucha
distancia que quieran marcar, los espectadores esperan ver ciertas cosas en un
film que se les ha vendido como adscrito a la saga de “Alien”, y de este forma
también se plantearán ciertas cuestiones interesantes en cuanto al origen y el
propósito de los aliens: ¿fueron estos diseñados como una forma de arma
biológica por los ingenieros? ¿Con qué propósito? ¿Cómo arma de conquista o
como herramienta para ‘limpiar’ un planeta?
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| Los ingenieros de "Prometheus" |
Esta nueva precuela retomará algunos de los elementos que ya
estaban presentes en el film original: la heroína aguerrida, el androide que
adopta una actitud ambigua, la corporación industrial como elemento amenazador…
Pero introduce un nuevo discurso a través del personaje del director de dicha
compañía: Weyland. Mientras que la protagonista del film, que no oculta sus
creencias religiosas de raíz católica, se embarca en la aventura del Prometheus
buscando respuestas al origen de la humanidad, el hombre que financia dicha
expedición tiene como único objetivo contactar con los ‘ingenieros’, sus
supuestos creadores, solo para conseguir la inmortalidad. Se establece pues un
paralelismo entre el Peter Weyland de este film y el Roy Batty de ”Blade
Runner”. Ninguno de los dos conseguirá su ansiada recompensa, pero mientras que
Batty asesinará a su creador, alzándose pues sobre el resto de la humanidad y
alcanzando su condición divina, aunque sea solo por un breve espacio de tiempo,
Weyland será castigado por su temeridad de pretender dirigirse a sus creadores,
y se encontrará con una muerte prematura antes de tiempo. Es curioso que si
bien estilística y argumentalmente “Prometheus” se adscribe al universo de
“Alien”, su discurso filosófico está más próximo al del 3er. largometraje de
Ridley Scott. No alcanza, en cualquier caso, la dimensión teológica de aquel,
pues “Prometheus” no trata tanto de la relación entre el hombre y su creador
desde una perspectiva humanista, como de la búsqueda de respuestas desde una
óptima netamente científica.
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| Impactante arranque del film en tierras islandesas |
En el momento de su estreno “Prometheus” fue recibida de
manera desigual. Si bien en un sentido mayoritario nadie cuestionó la fuerza de
sus imágenes y la elegancia de su puesta en escena, buena parte del fandom
lamentó que Ridley Scott se hubiese ‘salido por la tangente, vendiéndonos una
historia de Aliens para al final ofrecernos algo muy distinto. Siendo honestos
hay que admitir que algunos de los defectos de “Prometheus” ya estaban
presentes en el 2º largometraje de su director. Bien es cierto que hay algunos
aspectos del guion que flojean, sobretodo en la descripción de algunos
personajes: la supuesta villana encarnada por Charlize Theron está un tanto
desdibujada, igual que su ambicioso progenitor, Peter Weyland; mientras que el
carismático piloto al que da vida el actor Idris Elba pedía más metraje del que
finalmente se le concede. Las motivaciones de algunos integrantes del grupo de científicos
no están bien explicadas, y algunas reacciones acaban resultando absurdas; en
este sentido es harto criticable el uso que se hace de los dos científicos que
(tontamente) se pierden en el laberinto de la nave, momento totalmente
irrelevante que solo está presente para justificar la aparición de algunos
bichitos alienígenas. En su día también se criticó el uso del gato Yonsi en el
film “Alien”, elemento tramposo que servía para que algunos integrantes del
Nostromo actuasen torpemente y cayesen victimas del xenomorfo, pero también hay
que decir que el recurso del gato, aunque tramposo, estaba tratado de manera
mucho más hábil de lo que se hace en “Prometheus” con los científicos. Algunos de
los momentos más poderosos de “Prometheus” son precisamente aquellos que
involucran a los ingenieros, especialmente el espectacular prólogo rodado en
paisajes islandeses y que, lamentablemente, sufrió serios recortes en la sala
de montaje. Es notorio comprobar como Ridley Scott, que nunca ha destacado
precisamente como director de actores, saca mayor partido (al menos visual) de
estos personajes ficticios que no de buena parte de su elenco que, con la
salvedad de un mayúsculo (como de costumbre) Michael Fassbender, se muestra un
tanto despistado.
En cuanto a la apuesta temática de este film, pese a las
iras que despertó en buena parte de los aficionados, yo personalmente agradezco
que Scott se desmarcarse de la obra original y optase por no repetir el mismo
discurso sino ofrecer algo totalmente nuevo. Bien es cierto que podría haber
cuidado más algunos aspectos de la trama y tratar de lograr una mayor
consistencia con el resto de la franquicia; incluso podría haber respetado el
insuperable diseño original del alien creado por Giger en vez de ofrecernos uno
nuevo ligeramente remozado. El discurso antropológico presente en este “Prometheus”
resulta a todas luces más convencional que la interpretación psico-sexual que
nos ofrecía “Alien”, e incluso está a años luz que del discurso
teológico-filosófico de “Blade runner”, pero aun así es de agradecer los
esfuerzos de Ridley Scott por desmarcarse de la superficialidad imperante en buena
parte del cine fantástico actual e intentar ofrecer un producto maduro, sobrio,
que no se contenta con ser un mero entretenimiento y se atreve con una
invitación a la reflexión, por tímida que sea.
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| ¿Un nuevo diseño para una nueva saga? |
